Tableau Pop Art

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Le Pop Art, en tant que mouvement d’art moderne, est apparu au milieu des années 50 en Angleterre, puis en tant que contre-mouvement en Amérique. Il a toujours inspiré les artistes du monde entier, le terme Pop Art étant synonyme d’art populaire, il exerce aujourd’hui toujours une influence très particulière dans le monde de l’art. Le pop art populaire a connu son apogée dans les années 1960. Dans un tableau Pop Art, on retrouve les choses et objets du quotidien, mais aussi les bandes dessinées et le matériel publicitaire sont représentés de manière reconnaissable et absurde.

Qu’est-ce qui caractérise le Pop Art ?

Les motifs et les représentations familières de la vie quotidienne ou des médias et de la publicité peuvent être décrits comme un trait caractéristique du Pop Art. Même présentés de manière absurde ou sortis de leur contexte, ils seront toujours reconnaissables en tant qu’exemples. Le terme « anti-art » a trouvé sa défense critique grâce à l’utilisation d’objets triviaux dans le Pop Art. De manière radicale, des artistes comme James Rosenquist, notamment, ont abordé les panneaux d’affichage avec des formats XXL. L’utilisation de couleurs pures ou primaires, dont les éléments sont clairement délimités à l’aide de lignes noires, est typique du mouvement.
Le style de peinture illustratif du Pop Art se caractérise par une forte utilisation de la couleur comme élément de création. Les origines du Pop Art peuvent être trouvées dans les médias populaires de masse et les nouveaux médias. Les techniques courantes sont la peinture, les collages, mais aussi les impressions telles que l’offset et la sérigraphie. Les principaux représentants du Pop Art étaient Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Jasper Jones et Andy Warhol.

En ce qui concerne le Pop Art, Richard Hamilton est souvent cité comme le fondateur de ce mouvement artistique – bien qu’il l’ait toujours nié lui-même. Néanmoins, son œuvre de 1956 « Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing ? » est la première à contenir toutes les caractéristiques du Pop Art.
La même année, l’œuvre a servi d’inspiration à l’affiche de l’exposition « This is Tomorrow », un événement organisé par le British Independent Group qui abordait les nouveaux médias de masse et leur relation avec l’art contemporain.
L’auteur, critique d’art et conservateur Lawrence Reginald Alloway, qui a vécu aux États-Unis à partir des années 1960, est issu de ce groupe. Il est considéré comme le créateur des termes « art populaire de masse » et « pop art » et soutient que l’art est issu de la culture populaire.

Un mouvement artistique prônant la liberté d’expression.

Souvent décrites comme une réponse à la forme intellectuelle de l’art abstrait, les tableaux Pop Art traitent d’éléments de sujets réalistes, utilisant généralement des couleurs achromatiques et primaires. Il est également courant d’utiliser des contours, inspirés de la bande dessinée. Les images en 2D de type poster sont également courantes dans le Pop Art. Les œuvres reflètent l’évolution sociale des États-Unis, à commencer par l’enthousiasme pour la prospérité retrouvée après la Seconde Guerre mondiale et pour la consommation, qui s’est ensuite transformé en une attitude de base plus critique – déclenchée par des événements tels que la guerre du Vietnam, l’assassinat de John F. Kennedy ou les émeutes raciales. Les tableaux Pop Art ont tendu un miroir à la société (de consommation) apparemment parfaite et ont exposé ses faiblesses.

Les artistes les plus connus du Pop Art.

Parmi les artistes importants du Pop Art figurent Roy Lichtenstein, Jasper Jones, Robert Rauschenberg et – bien sûr – Andy Warhol, qui ont été inspirés par les médias de masse et les nouveaux médias de l’époque. Warhol, en tant que graphiste très demandé, peignait à la main au début, mais a rapidement utilisé la sérigraphie pour des tableaux Pop Art iconiques du mouvement comme « Campbell’s Soup Cans ». Cette série se compose de 32 œuvres approximativement congruentes, à l’image des 32 saveurs différentes du producteur de soupe. Il a choisi des motifs familiers dans tous les domaines comme base, ainsi que tous les motifs qui lui semblaient « glamour » ou qui présentaient un potentiel de réinterprétation. Deux de ces « boîtes à soupe » ont été présentées dans le cadre de l’exposition révolutionnaire « New Realists » à la galerie Sidney Janis.

La série « Death and Disaster« , qui a suivi, était particulièrement radicale : Andy Warhol prenait pour modèle des photos de presse d’accidents de la route, de catastrophes et de dispositifs d’exécution (« Electric Chair »), les retouchait subtilement, modifiant et reproduisant ainsi de manière esthétique ce qui était intrinsèquement macabre. Les critiques d’art y ont vu une révélation de la nature manipulatrice des médias de masse et de la culture populaire en général. Il est intéressant de noter que cette exploration du malheur et de la mort a trouvé un intérêt direct sur le Vieux Continent, alors qu’elle a d’abord été rejetée aux États-Unis. Cela peut s’expliquer par la longue tradition européenne de représentation de la mort dans l’art et la littérature, par exemple sous la forme de peintures murales monumentales sur les murs des cimetières et dans les bâtiments sacrés.

Non seulement le langage visuel unique du Pop Art, mais aussi les thématiques de celui-ci, permettent de définir ce style d’art. Les couleurs particulièrement intenses et les sujets forts, mais aussi la production artistique récurrente inspirée par les produits de masse sont les caractéristiques les plus influentes du Pop Art. Le concept du Pop Art consiste essentiellement dans le fait que l’art peut émaner de n’importe quelle source et que, par conséquent, il n’existe aucune hiérarchie dans l’art et la culture. Les pionniers du Pop Art ont été les premiers à reconnaître durablement qu’une approche d’un sujet donné est toujours multidimensionnelle. « Tout est toujours connecté. » Ces liens sont devenus des caractéristiques expressives dans le monde de la publicité, des dessins animés et de l’imagerie en général.

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